マルク・シャガール：夢と色彩の詩人
20世紀を代表する芸術家、マルク・シャガール。その作品に一度触れると、現実と夢が交錯する不思議な世界に引き込まれる。空飛ぶ恋人たち、逆さまの村、動物と人間が共存する幻想的な光景——シャガールの絵画は、理性では説明できない感情の領域に私たちを誘う。
ロシア帝国（現ベラルーシ）のヴィテブスクに生まれたユダヤ人画家は、パリのアヴァンギャルド芸術の中心で活躍しながらも、常に故郷の民間伝承や宗教的モチーフを大切にした。キュビズムやシュルレアリスムの影響を受けつつも、シャガール独自の詩情あふれる表現スタイルは、どの芸術運動にも分類されない唯一無二のものである。
深い青や鮮やかな赤、神秘的な緑で彩られたシャガールの世界は、時に悲しみを含みながらも、根底には生への喜びと愛への讃歌が流れている。シャガールの作品は、20世紀の動乱の中でも失われることのない人間性の証として、今日も私たちの心に語りかけてくる。
ここでは、シャガールの生涯と作品を辿りながら、その芸術の魅力に迫っていきたい。
1．生涯と背景
マルク・シャガールは1887年7月7日、現在のベラルーシに位置するヴィテブスクという小さな町で、ユダヤ人家庭に生まれた。本名はモイシェ・ザハロヴィチ・シャガールである。父親はニシンの販売業を営む貧しい労働者であり、敬虔なハシディズム（ユダヤ教の一派）の信者であった。母親は食料品店を経営しており、芸術的センスを持っていたと言われている。シャガールは9人きょうだいの長男として育ち、伝統的なユダヤ教の環境のなかで幼少期を過ごした。
シャガールは13歳までユダヤ人学校で教育を受け、その後ヴィテブスクの一般学校に通った。ここで彼は初めて芸術に触れ、絵を描き始めた。1906年、地元の画家ユーリー・ペンのもとで絵画を学び始める。1907年にはサンクトペテルブルクに移り、レオン・バクストらが教鞭をとる美術学校「ズヴァンツェヴァ学校」で学んだ。サンクトペテルブルクでの生活は厳しいものであったが、この時期に帝国美術促進協会の奨学金を得て、画家としての道を進む決意を固めた。
1910年、シャガールはパリに移住する。パリではモンパルナスの芸術家コミュニティに身を置き、キュビスムやフォービスムなど当時の前衛的な芸術運動に触れた。ラ・リュッシュ（蜂の巣）と呼ばれる芸術家アパートに住み、パブロ・ピカソ、ギヨーム・アポリネール、ロベール・ドローネーらと交流した。この時期、シャガールは独自の表現スタイルを発展させ、ロシア時代の記憶とパリでの新たな体験を融合させた作品を描き始めた。
1914年、第一次世界大戦の勃発に伴い、シャガールは一時的にロシアに帰国した。故郷のヴィテブスクに戻り、同年、幼なじみのベラ・ローゼンフェルトと結婚する。1915年には娘のイダが生まれた。1917年のロシア革命後、シャガールはソビエト政府の芸術委員に任命され、1918年にはヴィテブスク美術学校の校長に就任した。しかし、カジミール・マレーヴィチとの芸術観の相違から対立が生じ、1920年にモスクワへ移住。モスクワ・ユダヤ劇場の舞台美術を手がけた。
1922年、シャガールはソビエト連邦を離れ、ベルリンを経てパリに戻った。1923年には自伝『わが生涯』をフランス語で出版する。1930年代、彼はエルサレムを訪れ、聖書の挿絵の仕事に取り組み始めた。これは後のシャガールの重要なテーマとなる。
1937年、ナチス・ドイツによる「退廃芸術展」にシャガールの作品が展示される。ユダヤ人としての彼の立場は危うくなり、1941年、アメリカ合衆国に亡命した。アメリカでの滞在中、1944年に最愛の妻ベラが突然の病で亡くなり、シャガールは深い悲しみに暮れた。
1948年、シャガールはフランスに戻り、南フランスのサン＝ポール＝ド＝ヴァンスに定住した。1952年、ヴァランティーヌ・ブロッドスキーと再婚する。晩年のシャガールは、ステンドグラスや陶器、タペストリーなど様々な芸術メディアに挑戦した。1985年3月28日、97歳でサン＝ポール＝ド＝ヴァンスにて亡くなった。
2．芸術的特徴と様式
シャガールの芸術は独自の様式を持ち、明確な芸術運動に分類することが難しい。キュビスム、表現主義、シュルレアリスムなど様々な近代芸術の影響を受けながらも、それらを独自の感性で昇華させた。彼の作品は夢幻的でファンタジックな要素が特徴的であり、現実と非現実が融合した世界を描いている。
シャガールの絵画には、浮遊する人物や動物、逆さまの姿、奇妙な組み合わせなど現実を超えた表現が見られる。これらは単なる幻想ではなく、彼の内面世界や記憶、ユダヤ文化の伝統、フォークロアなどを基盤としている。色彩の使い方も特徴的で、鮮やかな青、赤、緑などが感情表現として効果的に用いられている。
シャガールの代表的なモチーフには以下のようなものがある：
a. **空飛ぶ恋人たち** – 愛と自由の象徴として、しばしば描かれる
b. **動物（特に牛、山羊、鶏、魚）** – ユダヤの民間伝承や彼の故郷への思いを表現
c. **バイオリン奏者** – ユダヤ文化の音楽的伝統を象徴
d. **十字架のキリスト** – ユダヤ人の苦難と普遍的な苦しみの象徴
f. **花束** – 生命と愛の象徴
g. **故郷ヴィテブスクの風景** – 常に心の中にあった故郷への郷愁
シャガールの作品は個人的な記憶、夢、愛、故郷への思いなどの主観的要素と、ユダヤ文化の伝統、聖書の物語、民間伝承などの集合的記憶が融合したものである。彼は自身の作品について「私は論理的に考えない。私の絵はファンタジーと現実の間にある」と語っている。
3．主要作品
シャガールの創作活動は70年以上にわたり、多数の名作を生み出した。主な作品には以下のようなものがある：
<私と村>（1911年） – パリ初期の代表作。故郷の記憶と都会での経験が融合した作品。緑色の顔の男と牛が向かい合い、背景には逆さまの家や農民、宗教的シンボルなどが配置されている。キュビスムの影響を受けながらも、シャガール独自の夢幻的な世界観が表現されている。
<誕生日>（1915年） – ベラとの愛を表現した作品。室内で首が捻じれ、宙に浮かぶシャガールと、そんな彼に花束を差し出すベラが描かれている。愛によって重力から解放される喜びを象徴的に表現している。
<町の上で、ヴィテブスク>（1915年）（様々なバージョン, 1914-1918年） – シャガールの代表的モチーフ。愛する二人が空を飛ぶ姿は、愛の高揚感と自由を表している。
<七本指の自画像>（1913年）- パリ時代の自画像。七本の指で絵を描くシャガール自身が描かれており、彼の創造力と芸術家としてのアイデンティティを象徴している。背景にはエッフェル塔とヴィテブスクが共存している。
<白襟とベラ>（1917年） -シャガールの愛したベラをモチーフにした作品は数多くあるが、そのなかでも、シャガールは永遠に彼女に魅せられていたということが分かる作品が、この作品である。 この左右に違和感を感じる方が少なくはないが、それはベラという人物が超現実主義的に描かれているのに対し、他の対象が全てシャガールの幻想から描かれているといわれているからだ。一見、シンプルに田園のなかをけだるく歩いているベラを描写した印象だが、どこかアンバランスであり、さまざまなモチーフから対比してベラが大きくうつっているのである。 さらに、空の色も青と白をバランスよく、空想的に使い分けており、絵画の下部にはどこか可愛らしい小さな愛のモチーフまでも垣間みることができる。
<ロシアとロバとその他のものたちへ>（1911-1912年） – パリでの初期作品。故郷への思いとパリでの生活が混在する複雑な構図。赤いロバが中心に描かれ、聖と俗、過去と現在の共存がテーマとなっている。
<横たわる詩人>（1915年） – 横たわる詩人の向こうには、馬と豚がいてのどかな森の中のように見える。ポーンド国境に近いロシアの町ヴィテブスク。シャガールの作品に度々登場する故郷である。
<空を飛ぶ馬車>（1913年） – 馬車が空を飛ぶ幻想的な光景を描いた作品。現実を超えた自由と、故郷の日常風景の記憶が融合している。
<エッフェル塔の新郎新婦>（1939年） – パリのランドマークであるエッフェル塔を背に、新郎新婦が寄り添っている。パリだけでなく故郷ヴィーツェプスクの町並みを合わせた風景の中で、人物や動物が空に浮かんでおり、シャガールらしい一作といえる。
<青いサーカス>（1950年）） – シャガールがサーカスをテーマにした版画を制作したのは、画商ヴォラールの提案によるものだった。サーカスを愛好していたヴォラールに連れられ、シャガールもサーカスに通うようになったが、人物や動物が宙を舞う夢のような空間は、まさにシャガールの作品にうってつけの主題だったといえる。
<ダフニスとクロエ>（1961年）） – 古代ギリシアの恋物語で多くの芸術家がこの物語をモチーフにして作品を制作していた。精霊が登場するファンタジックな純愛物語に、シャガール独特の浮遊感がマッチしている。
<ニース・オペラ座の天井画>（1964年） – 晩年の大作。シャガールの代表的モチーフが総動員された色彩豊かな作品。音楽と絵画の融合がテーマとなっている。
<ステンドグラス作品> – 1950年代以降、各地の教会や公共施設のためにステンドグラスを制作。エルサレムのハダッサ病院、ニューヨークの国連本部、フランスのランスとメッスの大聖堂などに作品がある。透過光による色彩表現がシャガールの絵画世界に新たな次元をもたらした。
4．聖書とユダヤ文化の影響
シャガールの芸術にはユダヤ文化と聖書のモチーフが深く根ざしている。彼は自身のユダヤ性を否定せず、むしろそれを創造の源泉として積極的に作品に取り入れた。特に1930年代以降、聖書をテーマにした作品が増え、旧約聖書と新約聖書の両方からインスピレーションを得ている。
聖書の挿絵プロジェクトは、シャガールの重要な仕事の一つである。1931年にアンブロワーズ・ヴォラールの依頼で聖書の挿絵の制作を開始し、戦争による中断を経て1956年に105点のエッチングを完成させた。これらの挿絵では、聖書の物語を彼独自の詩的かつ幻想的な視点で解釈している。
シャガールはまた、キリスト磔刑のイメージを繰り返し描いた。これは単にキリスト教のモチーフではなく、ユダヤ人の苦難、特にホロコーストにおける犠牲を象徴するものとして描かれることが多かった。『白い磔刑』（1938年）では、ユダヤのシンボルを身にまとったキリストが描かれ、迫害されるユダヤ人の象徴となっている。 シャガールのユダヤ文化への愛着は、シュテットル（東欧ユダヤ人の小さな町）の生活風景、ハシディズムの踊り手、ラビ、トーラー（ユダヤ教の聖書）の学者、ユダヤの祝祭などのモチーフにも表れている。彼はこれらの伝統的な題材を近代的な表現方法で描き、過去と現在、伝統と革新を結びつけた。
5．多様なメディアへの挑戦
シャガールの芸術活動は油彩画だけにとどまらず、多様なメディアに広がっている。特に晩年には、ステンドグラス、モザイク、陶器、タペストリー、彫刻など様々な分野で創作活動を行った。
ステンドグラスの制作は1950年代から始まり、シャガールの後期の代表的な仕事となった。彼のステンドグラス作品は世界各地の宗教施設や公共建築に設置されている。エルサレムのハダッサ病院の12の窓（1962年）は十二支族をテーマにした作品であり、ランス大聖堂（1974年）、メッス大聖堂（1968年）、チューリッヒのフラウミュンスター教会（1970年）、ニューヨークの国連本部（1964年）など、キリスト教会からユダヤ教施設、世俗的な公共建築まで幅広い場所に作品を残した。ステンドグラスという媒体は、シャガールの色彩感覚と光への関心を表現するのに理想的であった。
舞台美術の分野でも重要な仕事を残している。1942年にニューヨークでバレエ『アレコ』の舞台美術とコスチュームデザインを担当し、1945年には「火の鳥」の舞台美術も手がけた。これらの作品では、色彩豊かな幻想的な世界観が舞台空間全体に広がった。
陶芸作品も1950年代以降制作されるようになり、南フランスの陶芸家と協力して皿や花瓶などを製作した。タペストリー作品も晩年の重要な仕事であり、特にイスラエル国会議事堂のためのタペストリー（1966年）は代表作として知られている。 これらの多様なメディアへの挑戦は、シャガールの芸術世界の拡張であり、彼の表現の可能性を広げるものであった。どの媒体においても、シャガール特有の夢幻的な世界観と色彩感覚は一貫して表現されている。
6． シャガールの芸術的位置づけと影響
シャガールの芸術は20世紀美術の中で独特の位置を占めている。彼は前衛的なモダニズムの流れに触れながらも、特定の芸術運動に属することなく、独自の表現世界を構築した。キュビスム、表現主義、シュルレアリスムなどの要素を吸収しつつ、それらを自身の文化的背景や個人的な神話と融合させた。
シャガールの作品は抽象芸術が主流となっていく20世紀美術の中で、あくまでも具象的表現を保持し続けた。しかし、それは単なる現実の模写ではなく、夢や記憶、想像、感情を通して変容された現実である。彼は「私は現実を変えるのではなく、現実と混ざり合う」と述べている。
同時代の芸術家たちとの関係も興味深い。パブロ・ピカソとは互いを尊敬し合う関係にあり、ピカソは「シャガールが絵の具を理解しているのは彼だけだ」と評したとされる。しかし、シュルレアリストたちとは距離を置き、アンドレ・ブルトンのシュルレアリスム運動への参加要請も断っている。シャガールの非現実的表現は、無意識や夢の探求というシュルレアリスムの理論的アプローチとは異なり、より直感的で個人的な源泉から生まれたものであった。 シャガールの芸術は、戦後のファンタジー絵画や詩的な表現主義、さらにはポップアートやネオエクスプレッショニズムにも影響を与えたと考えられている。特に彼の自由な色彩感覚と象徴的表現は、多くの後続の芸術家に影響を与えた。現代においては、彼の作品はポストモダンの文脈で再評価され、多文化性や文化的アイデンティティの表現としても注目されている。
7． 受容と評価
シャガールの芸術は、生前から高く評価され、国際的に認知されていた。1924年には初の回顧展がパリで開催され、1941年にはニューヨーク近代美術館で大規模な回顧展が開かれた。1950年代以降は、ヴェネツィア・ビエンナーレ（1948年）、リヨン現代美術館（1973年）、ルーヴル美術館（1977-1978年）など世界各地の主要美術館で回顧展が開催された。
日本でもシャガールの作品は早くから紹介され、1963年には東京国立近代美術館で初の大規模な回顧展が開かれた。日本の観客からも高い人気を得ており、その夢幻的な表現と色彩感覚は日本の芸術文化とも共鳴する部分があったと考えられる。
シャガールの作品はオークション市場でも高く評価されており、2017年には「雄鶏と恋人たち」がニューヨークのオークションで約2860万ドル（約32億円）で落札された。彼の作品は現在も世界中のコレクターに求められ続けている。
シャガールの芸術に対する批評は様々である。初期には前衛的な芸術家として評価され、後にはその詩的で神秘的な世界観が称賛された。一方で、あまりに装飾的で感傷的であるとの批判もあり、特に芸術が概念的、最小限的方向に向かった1960-70年代には、一部の批評家からは時代遅れと見なされることもあった。
しかし、ポストモダンの時代になると、シャガールの多元的で文化横断的な表現は再評価されるようになった。彼の作品に見られる多文化性、精神性、個人的神話の創造などは、現代の価値観とも響き合うものがある。また、大衆にも広く親しまれる芸術家としてのシャガールの存在は、芸術と日常生活の架け橋としても重要である。
現在、シャガールの作品はニース国立マルク・シャガール美術館をはじめ、ニューヨーク近代美術館、パリ国立近代美術館、エルサレムのイスラエル博物館など世界中の主要美術館に所蔵されている。
8． 遺産と現代における意義
シャガールの芸術的遺産は、彼の死後も世界中で生き続けている。特に1985年に開館したニースのマルク・シャガール国立美術館は、聖書をテーマにした作品を中心に多数のシャガール作品を所蔵し、研究の中心的存在となっている。
シャガールの芸術は、その普遍的な人間性と詩的表現により、文化や世代を超えて多くの人々に感動を与え続けている。彼の描く愛、家族、故郷への思い、信仰といったテーマは時代を超えて共感を呼び、特に現代の複雑な政治的・社会的状況の中で、その人間的温かさと精神性は一層価値を増している。
また、シャガールのユダヤ人としてのアイデンティティと普遍的芸術の融合は、文化的アイデンティティをめぐる現代の議論においても重要な参照点となっている。彼はユダヤ文化の伝統を大切にしながらも、それを閉ざされたものとしてではなく、人類共通の精神的・感情的基盤として表現した。このような多文化的視点は、グローバル化と文化的多様性の時代において、ますます重要な意味を持つ。
シャガールの色彩豊かで幻想的な作品は、現代の視覚文化にも影響を与えており、映画、ファッション、デザインなど様々な分野にその影響が見られる。また、芸術教育においても、シャガールの作品は創造性と個性的表現の重要性を教える上で有用な教材となっている。 シャガールは20世紀を代表する芸術家の一人として、また困難な時代を生き抜いた証人として、芸術と歴史の両面で重要な存在であり続けている。彼の作品は単なる美的対象を超えて、20世紀の複雑な歴史と人間の精神を映し出す鏡でもある。
9．結論
マルク・シャガールは、個人的な記憶と普遍的な神話、伝統と革新、東欧ユダヤ文化と西欧モダニズムを融合させた独自の芸術世界を創造した。彼の作品は現実と夢の境界を超え、詩的で幻想的な表現により、鑑賞者の心に直接訴えかける力を持っている。
97年の長い生涯を通じて、シャガールは二つの世界大戦、ロシア革命、ホロコーストなど20世紀の激動を目撃し、自らも亡命と迫害の経験を持った。しかし、そうした困難にもかかわらず、彼の芸術は常に生命の喜び、愛の力、精神の自由を讃えるものであり続けた。
「私が描くすべては、私の故郷から来ている」というシャガールの言葉は、彼の芸術の核心を表している。故郷ヴィテブスクの記憶と幼少期に培われたユダヤ文化への愛着は、彼が世界中を旅し、多様な芸術的影響を受けながらも、常に彼の創造の源泉であり続けた。
シャガールの芸術は、特定の美術史的カテゴリーには収まらない独自性を持ちながら、20世紀美術の重要な一部を形成している。彼の夢幻的で詩的な表現世界は、今日も多くの人々の想像力と感性に訴えかけ、芸術による希望と和解のメッセージを伝え続けている。 マルク・シャガールは、芸術における詩情と精神性の体現者として、また文化的境界を超えて普遍的な人間性を表現した偉大な芸術家として、美術史に永遠に刻まれている存在である。
